2.1 Evolución del montaje audiovisual

El término montaje tiene varios significados en función de la época y punto de vista (ya sea este teórico, técnico o práctico) desde el que se defina. El montaje, como se afirmaba en un principio, ha ido evolucionando a lo largo de la historia del cine y, de igual modo, su significado. En 1929 ^Pudovkin en su libro Film Technique define al montaje como el proceso que consiste en la selección, medida y orden de unos planos dados para construir una continuidad cinematográfica. En 1972 Antonio ^{del Amo} lo define como la planificación o conjugación de planos en sus distintas escalas y cortes. Pero esta definición con el tiempo abarca más aspectos, dada la entrada de nuevos elementos que intervienen en el montaje, como la interpretación, el diálogo y la sonorización (^{Reisz, 1980}).

Como se aprecia en ^{Levaco (1987}), para Kuleshov el montaje es una técnica de composición mediante la cual el material del filme es ensamblado, dando como resultado un todo y a la vez implica saber dónde cortar para encontrar el momento psicológico del filme (^{Brownlow, 1989}). Es una operación en donde las imágenes filmadas se ordenan y recomponen según el orden y significado establecido por el autor (Carliza y Fochino, 1992), un trabajo de ensamble abstracto (^{Chion, 1994}) que exige ordenación, ritmo y armonía (^{Sánchez, 1994}). Está compuesto por tres operaciones: selección, combinación y empalme (Aumont, et. al. 1996), por el cual se dará forma definitiva al discurso y contenido cinematográfico de la película, teniendo cuidado en las transiciones y secuencias con un sentido narrativo y estético (^{Fernández, 1997}).

Si se analiza lo anterior se observa que, poco a poco, el término montaje va cambiando y se van incorporando definiciones desde el punto de vista técnico, psicológico, narrativo y abstracto.

Para la década de los 2000 se establecería que el montaje “es el proceso completo de unir toda una película” (^{Thompson, 2001, p. 13}). No abarca solo una etapa de la creación de una película, también es la ordenación, enlace, ajuste, articulación, tiempo, movimiento y duración de las imágenes dentro del plano con el fin de lograr una única composición (^{Rey del Val, 2002}); es una forma de pensar que requiere creatividad (^{Amiel, 2003}). La fuerza del montaje radica en que en él interviene el raciocinio del espectador, pero también las emociones (^{Galasse, 2006}) como ya experimentó en su momento Kuleshov (^{Sikov, 2020}).

Más adelante, el término montaje ya no solo sería utilizado como una definición meramente cinematográfica, sino también para definir “a nivel productivo audiovisual la operación de selección, armado u ordenamiento de un material grabado con el objetivo de construir la versión definitiva de un filme” (^{Corro, 2010}, p. 3), al margen de si se habla de cine o de otras disciplinas como la televisión o la publicidad. Estas, aunque partan de la experiencia que da el montaje cinematográfico (^{Sánchez-Biosca, 1991}), tienen sus propias necesidades de montaje.

En la televisión, por ejemplo, a diferencia de lo que sucede cuando se está ante una experiencia cinematográfica en sala, se dispone de un espacio relativamente pequeño de imagen con distractores a nuestro alrededor y con la capacidad que da un botón para cambiar el canal si este no es de nuestro agrado. Esto implica que la televisión se esfuerce para que las imágenes impacten de forma diferente con el fin de atraer la atención del público, ya que su ángulo de visión es mucho más estrecho que el de las películas, motivo por el cual encontramos cortes rápidos, saltos, panorámicas bruscas, sorpresas de la acción, u otros aspectos menos habituales en cine (^{Murch, 2003}). Esta gran necesidad de retener y atrapar al espectador conlleva gran densidad audiovisual, lo cual supone que con el tiempo el público necesite niveles de saturación más altos para mantener la atención. Recursos y herramientas en la televisión hay muchos, los cuales varían según el tipo de programa. Se pueden mencionar algunos como la simultaneidad, la continuidad dada por gráficos, entrevistas, música, vídeos cortos, imágenes, estímulos que generen sentimientos para crear atracción al espectador y llamar su atención (^{Atienza, 2014}), el uso de materiales de archivo (ya sean vídeos o imágenes), efectos de sonido, voces en off, texto, títulos o tamaño de planos, entre otros (^{Morales, 2017}).

Internet y las plataformas de reproducción de streaming han logrado que los programas de televisión traspasen la pantalla al igual que otros contenidos audiovisuales que se consumen fácilmente con un smartphone. Estos dispositivos se adaptan a nuestro ritmo de vida frenético e instantáneo, y así han de ser también los materiales audiovisuales que se presenten en estas pantallas portátiles y por ende el montaje: vídeos cortos, con planos cambiantes, saltos de imagen, sonidos que llamen la atención, gráficos, mensajes claros, buen ritmo, etc. Esto afecta también a la publicidad, la cual con Internet ha tenido que cambiar sus estrategias y formas de comunicación para lograr llamar la atención del público. Los anuncios publicitarios tienden a mostrarnos historias más condensadas donde todo está en un mismo espacio, todo gira, salta, brilla y aparece de la nada, se usan efectos visuales, movimiento, ralentizaciones o acelerados para crear un ritmo narrativo y dramático que atrape al espectador (^{Morales 2017}).

Los videoclips también tienen la función de atraer y mantener la atención del público. A lo largo de su historia el videoclip ha mezclado todo tipo de influencias de montaje, estilos visuales y referencias cinematográficas, artísticas y televisivas. Innovaciones como la aparición de efectos visuales, técnicas de composición de imagen, transiciones, cortinillas o imágenes hipersincronizadas con la música, entre otras. En este sentido, el videoclip ha sido durante mucho tiempo un laboratorio privilegiado para la técnica y las nuevas formas de montaje y postproducción (^{Atienza, 2014}).

La llegada de los nuevos medios digitales, además de integrar materiales televisivos, cinematográficos y publicitarios, propiciaron la elaboración de los suyos propios con un estilo y lenguaje ad hoc. Abundan los materiales audiovisuales de corta duración, noticias breves, microrrelatos o imágenes y vídeos de diversas fuentes de tipo mash-up, entre muchos otros. Otra característica importante en el contenido audiovisual en internet es el carácter amateur de la mayoría de los vídeos, lo cual fomenta que sin tanta formación en filmación y montaje se puedan crear obras propias para hacer llegar mensajes relacionados con vivencias propias, consejos, tutoriales, experiencias en viajes, videojuegos, compras, estudios, comida, entrevistas o demostraciones de talento (^{González, et. al. 2019}). Todo este material audiovisual se puede encontrar en diferentes espacios de internet, como es el caso de YouTube.

2.2 YouTube y los creadores de contenido

YouTube es una plataforma versátil y fácil de usar que permite subir, bajar, ver y compartir gran cantidad de contenido audiovisual (^{Bonilla y Ovalles, 2017}). Así YouTube se ha convertido en uno de los medios de exhibición y difusión audiovisual más populares en internet (^{Abhari y Soraya, 2010}; ^{Pereira et al. 2018}).

Una vez que un usuario comienza a subir contenido audiovisual frecuentemente en su canal de YouTube se convierte en un creador de contenido conocido como youtuber. Este fenómeno del youtuber retoma viejas propuestas como el monólogo teatral o el sketch televisivo con ese toque moderno de instantaneidad, espontaneidad y rapidez, en combinación con el humor del meme, la expresión de un emoticón o emoji y una máxima explotación de efectos de edición en el lenguaje audiovisual digital (^{González, et. al. 2019}). De este modo, el creador de contenido busca expresarse, contar una historia, dialogar con sus seguidores y promocionarse (^{Pereira et al. 2018}), con el fin de aprovechar una de las posibilidades que ofrece la plataforma: la monetización (^{Ørmen y Gregersen, 2023}; ^{Bruce et al. 2023}; ^{Siciliano, 2023}). Para ello, los vídeos que se comparten han de ser atractivos, algo que a menudo se consigue a base de música, memes, stickers, efectos de sonido, efectos visuales, gráficos o la mezcolanza de otros vídeos e imágenes. Como decía ^{Torres-Toukoumidis y de Santis (2020}), estos “son los ingredientes básicos que dan vida al vídeo” (p. 174).

Si bien los programas profesionales de vídeo requieren experiencia y práctica, existen otros más básicos, que tienen gran acogida entre creadores de contenido sin conocimientos profesionales de montaje, ya que encuentran en ellos una solución más a su alcance tal como veremos más adelante. Además, estos programas de uso no profesional permiten montar vídeos en una computadora, un teléfono móvil o una tableta (^{Torres-Toukoumidis y de Santis, 2020}) e incluso es posible aprender fácilmente a utilizarlos consultando tutoriales que las mismas empresas y usuarios colocan en YouTube (^{Miles, 2012}). Pero como veremos, no se trata de contar una historia únicamente mediante la edición y reorganización de imágenes (^{Xiang et al. 2023}), sino que los youtubers también utilizan los elementos antes mencionados (stickers, texto, transiciones, etc.) para apoyar la historia.

4.1 Resultados de entrevistas

Haciendo un recuento de las respuestas obtenidas se pudo conocer que, en relación a la pregunta del bloque uno, todos los youtubers coincidieron en que ellos mismos son los encargados de editar el material audiovisual. En el caso de Junica IRC, el canal es autoría de una pareja y ambos están implicados en la edición. Él edita el material y ella supervisa y corrige. PSI Mike comentó que cada editor es diferente; para él la edición es como una huella digital y es la identidad del contenido. Los youtubers no descartan el hecho de tener una tercera persona que les edite, como dijo EluniversodeFRAN, Fitness Lifestyle keifitmx y Xalli Flores. Consideran que tener a alguien que edite su contenido sería ideal y pueden plantearlo como una meta a futuro cuando tengan más seguidores o cuando tengan más recursos. Fitness Lifestyle keifitmx menciona que, para poder empezar a crear contenido en YouTube, uno mismo debe aprender a hacerlo todo.

En cuanto a las preguntas del bloque dos, solo 3 de los 17 youtubers entrevistados afirmaron que cuentan con algún tipo de formación relacionada con el mundo audiovisual. Aerial TV estudió diseño de imagen y sonido y tiene experiencia como camarógrafo, Fitness Lifestyle keifitmx estudió fotografía y Mónica de Junica IRC estudió animación, arte digital y multimedia. Dos de ellos han aprendido a editar por medio de una tercera persona. Sol Naddeo y Julio de Junica IRC en particular aprendieron gracias a sus parejas, que tienen conocimientos audiovisuales. Para el resto, como PSI Mike, Sam Miller Life, WenDIY, Natsuko, Angel Zheng, Xalli Flores, Arz Diks y Hora del Coto, el aprendizaje fue a base de ensayo y error y mediante otros vídeos de YouTube. EluniversodeFRAN dijo que para ella YouTube es una muy buena plataforma para los autodidactas. PSI Mike y Mireia Velvet coincidieron en que los softwares de edición de vídeo son muy intuitivos.

En cuanto a las preguntas del bloque tres, la mayoría de los entrevistados afirmaron que les gusta el cine. Es el caso de Natsuko y Fitness Lifestyle keifitmx, quienes a pesar de ello matizaron que ya no ven tanto porque se les hace pesado ver una película completa porque dura mucho tiempo. Otros como Angel Zheng, Junica IRC, Mireia Velvet y Hora del Coto que dijeron ser fanáticos del cine, tienen preferencia por el género acción, la comedia, las películas animadas, películas con guiones originales o basadas en hechos reales, películas que dejen un mensaje y generen emoción al espectador.

No obstante, a pesar de su gusto por el cine, los entrevistados argumentaron que no se inspiran en el cine para realizar la edición de sus vídeos; según ellos, se basan en los estilos creados por otros youtubers, principalmente los que ellos admiran o que consideran su competencia directa. Sam Miller Life comentó que sus grabaciones están influenciadas por el cine, pero su edición es en formato YouTube. EluniversodeFRAN agregó que el formato de cine para el contenido de YouTube no es muy compatible; dijo además que las personas que ven YouTube buscan tener las respuestas directas y que no se pueden perder segundos contando una historia porque se pierde el interés del usuario. Mireia Velvet se inspira en anuncios y publicidad que ve en la televisión, obteniendo de ahí ideas de efectos para su contenido.

En cuanto a las respuestas del bloque cuatro, PSI Mike afirmó que YouTube tiene las mismas reglas que cualquier otro formato de vídeo, pero con menos tensión, pues los creadores de contenido son mayoritariamente independientes y hacen lo que pueden con lo que tienen y con lo que saben. Sam Miller Life apuntaron que las tomas deben cumplir con el propósito de la historia. EluniversodeFRAN, Between My Clothes, Mireia Velvet y Colectivo Millenial utilizan el corte para quitar los espacios muertos, respiraciones y muletillas, logrando así tener un vídeo más rápido y conciso. Para WenDIY y Angel Zheng la planificación es muy importante. Además, según estas creadoras, los vídeos han de ser cortos y han de contar con una buena estructura narrativa y con buena iluminación. Aerial TV mencionó que busca una edición dinámica en su material.

En general, los entrevistados usan cortes para no divagar, para ir al grano, para corregir errores, respiraciones, muletillas y pausas. Xalli Flores menciona que si el mensaje que está dando y lo que pasa en pantalla fluye de forma natural, busca que el resultado final sea lo más orgánico y natural posible. Algunos como Fitness Lifestyle keifitmx, Sol Naddeo, Junica IRC hacen hincapié en que el sonido y la calidad del mismo es muy importante para mantener la retención del espectador, así como los gráficos. Junica IRC comenta que la retención es sumamente importante en YouTube, ya que si su vídeo no tiene buena retención YouTube no lo impulsa; comenta además que las miniaturas y un buen título (que corresponda al contenido del vídeo) son también esenciales, ya que contribuyen a llamar y retener la atención del espectador.

En cuanto los recursos por los que optan o que consideran importantes, mencionaron el uso de stickers, memes, imágenes, vídeos grabados por ellos mismos, textos, efectos visuales, transiciones, zooms, efectos de sonido, efectos de voz y música. PSI Mike utiliza paquetes de transiciones, efectos animados, vídeos de stock y fotografías. Colectivo Millenial y Angel Zheng hacen hincapié en que la música de fondo es importante. Junica IRC y Mireia Velvet explicaron que la llamada a la acción es clave e insisten en que siempre hay que tener entretenido y enganchado al espectador con los recursos visuales. WenDIY, Fitness Lifestyle keifitmx, Between my Clothes y Arz Diks prefieren ediciones sencillas y utilizan los elementos que les permite sus aptitudes técnicas. Argumentaron que usan efectos solo cuando hay que usarlos, sin que se vea forzado, ya que para ellos lo que prima es la naturalidad sin grandes artimañas técnicas.

Analizando la información que recoge la tabla 3, en cuanto a las reglas que hablan sobre las características internas, se observa que ninguno de los youtubers realiza cortes entre planos con diferente composición y distancia, sino que hacen cortes sobre un mismo plano, entre cada frase y entre acciones, ya sea para omitir información o para adelantar el tiempo.

4.2 Uso de las reglas de montaje cinematográfico en los vídeos de los youtubers

El material de todos los youtubers, a excepción del de Hora del Coto, también presenta cambios de iluminación entre corte y corte generando saltos en el raccord de luz. Se observa además que la mayoría cuenta con lo que se considera, en las reglas de montaje fílmico convencional, malos encuadres y mala composición. Hay material con desenfoques, movimiento irregular en la cámara, cortes a partes del cuerpo u objetos, diferentes escalas y cambios de tamaño de planos. Los que hablan a cámara cuidan un poco más su encuadre y su composición, pero, aun así, en términos canónicos, dejan bastante que desear.

Casi ningún youtuber utiliza planos de acercamiento. Algunos utilizan zoom in y zoom out en sus ediciones, aunque no es habitual. Tres utilizan planos cortos y los combinan con planos generales; de ellos, Arz Diks y Sam Miller Life utilizan esta combinación para situar al espectador en el lugar de sus viajes y WenDIY para mostrar el resultado que se obtendrá al seguir su tutorial. Los demás vídeos están formados por planos cortos o planos medios sin introducir planos generales. No se tiene un especial cuidado al unir dos planos en movimiento y no se respeta el eje de movimiento. Existe una tendencia a cortar antes de terminar una acción o frase y luego unir ese plano con otro plano con un movimiento y acción diferente, haciendo notorio el corte y generando saltos.

En cuanto a las reglas que hablan de las características externas, la mayoría de vídeos presentan planos cortos que omiten información y cortan el plano antes de terminar frases o antes de terminar acciones sin dejar clara la acción que se está realizando. A su vez, hay un uso de transiciones para ocultar malos cortes.

Observando las reglas sobre la convención de la gramática cinematográfica se observa que la mayoría respeta el eje de la mirada, pues los youtubers siempre están hablando a cámara. Su material no muestra una interacción entre más personajes ni muestra escenas montadas. La norma de los 180 grados se respetó en la mayoría de los vídeos, la cámara estaba fija o no traspasó el eje. Por otro lado, todos rompieron la regla de los 30 grados al realizar cortes que enfocaban un mismo personaje y objeto, sin tener un ángulo en cámara mayor a 30 grados entre plano y plano, ocasionando un salto visualmente notorio y afectando a la continuidad.

En general, la mayoría de los vídeos muestran un ritmo muy rápido. Muy pocos muestran secuencias de montaje, pero la mayor parte del material que presenta secuencias, son rápidas y concisas. Se observa que las secuencias de montaje son utilizadas a modo de introducción para mostrar lo que se verá en el vídeo, ofrecer información o para recopilar testimonios.

En lo referente a las reglas que hablan sobre el sonido, en todos los vídeos es coherente con lo que se ve en pantalla. La mayoría tienen en consideración que al inicio del vídeo la música también comience, ya sea naturalmente o con el uso de un fade in. También cuidan que cuando termine el vídeo la música tenga un final lo más natural posible con el uso de un fade out. No obstante, ningún vídeo anticipa el sonido antes que la imagen como la regla lo indica ni presenta encabalgamiento sonoro a excepción del de WenDIY.

El montaje es notorio en todos los vídeos, rompiendo la regla convencional que menciona que un buen montaje no se nota. Finalmente, de acuerdo a los resultados obtenidos, todos rompen con más de una regla de montaje cinematográfico.

A continuación, vamos a ver los resultados que se nos presentan en la tabla 4. Observando el uso del tiempo, se puede apuntar que la mitad de los youtubers recurre a los acelerados, ninguno utiliza congelados y solo uno usa ralentizados en su material.

En términos de las características internas, pocos vídeos presentan distorsión en la imagen y la minoría recurre a cambiar la relación aspecto de sus vídeos. Casi todos reescalan sus tomas y utilizan cambios de tamaño en sus imágenes filmadas. Algunos presentan movimientos irregulares e inestables en sus grabaciones y la minoría presenta planos con desenfoques. Se observa el uso de zoom in y zoom out en sus ediciones, así como uso de la división de pantalla.

4.3 Recursos de montaje utilizados por los youtubers

Como características externas, se observa que solo algunos usan encadenados y cortinillas, muy pocos recurren a los barridos, la mayoría utilizan fundidos y transiciones creativas y todos utilizan el corte. El ritmo del montaje que utilizan es casi siempre rápido, de hecho, solo uno de los vídeos presentó un ritmo de montaje lento. Analizando la naturaleza de las imágenes utilizadas, todos utilizan material propio grabado por ellos mismos y únicamente una minoría utiliza como apoyo vídeos, imágenes o fotografías tomadas por otras personas. Casi todos utilizan animaciones en su material.

Hay varios recursos gráficos utilizados; de hecho, todos en algún momento recurren a textos, animaciones, motion graphics, imágenes superpuestas, un banner final invitando a la gente a seguir su contenido y/o un logotipo de su canal. Algunos también usan vídeos superpuestos y fondos de color. En menor número, se encontraron vídeos de otras redes sociales, capturas de pantalla, grabaciones de pantalla o móvil, emoticonos, stickers y memes. Todos utilizan música de fondo en su material audiovisual y en todos, a excepción de uno, se puede escuchar la voz del youtuber dando información. La mitad utiliza voces en off y algunos usan sonido ambiente y efectos sonoros en su material.